La Fontana di Trevi .

 La construcción de La Fontana di Trevi
En 1629 el papa Urbano VIII, encontró que la fuente que existía no era lo suficientemente dramática, así quepidió a Bernini que esbozase posibles renovaciones. El proyecto fue abandonado cuando Urbano VIII murió, y Bernini cambió la situación de la fuente al otro lado de la plaza para que quedase frente al Palacio del Quirinal.

En 1730, el papa Clemente XII organizó un concurso sobre la fuente. Los trabajos empezaron en 1732 y terminaron en 1762, cuando el Neptuno de Pietro Bracci fue situado en el nicho central. Las estatuas de Abundancia y Salubridad, en los dos nichos laterales fueron esculpidas por Filippo Della Valle.

La Fontana de Trevi fue terminada en 1762 por Giuseppe Pannini, quien sustituyó las suaves alegorías presentes por esculturas planas de Agripa y Trivia, la diosa romana.

El Campo del Moro

El Campo del Moro es un extraordinario jardín situado bajo el Palacio Real, tras el gran desnivel que daba fortaleza defensiva a las antiguas murallas madrileñas. Para hacernos una idea del origen de su curioso nombre hay que saber que las primeras murallas de Madrid estaban donde hoy está el Palacio Real. En donde hoy está este campo se asentaron las fuerzas almoravides que querían conquistar Madrid en el año 1100. De aquel campamento surgió el nombre actual de Campo del Moro
Este parque fue adquirido por la Corona Española en tiempos de Felipe II y consiste en unas 20 hectareas de jardines.

Jardines de Sabatini

Los Jardines de Sabatini se encuentran situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid (España), entre la calle de Bailén y la cuesta de San Vicente. Ocupan una extensión de 2,54 hectáreas.

Estos jardines fueron construidos en los años 30 del siglo XX tras la proclamación de la Segunda República, en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por el arquitecto italiano Francesco Sabatini junto al Palacio Real.

Plaza de Salamanca.

La Plaza Mayor es un espacio urbano construido como plaza mayor castellana que con el tiempo se ha convertido en el centro de la vida social de la ciudad de Salamanca, España. Fue construida en el periodo que va desde desde el año 1729 al 1756, en estilo barroco. 

El diseño es del arquitecto Alberto Churriguera (pabellones Real y de San Martín) y posteriormente continuada por otros con pocas modificaciones respecto al proyecto inicial.1 A comienzos del siglo XIX sufrió diversas remodelaciones urbanísticas, hasta que poco a poco a mediados del siglo XX fue desprovista de sus jardines, quiosco de música central y urinarios públicos para quedar diáfana. 

Fue declarada BIC con categoría de Monumento el 21 de diciembre de 1973, publicándose en el BOE el 23 de enero de 1974.

Plaza oriente

La Plaza de Oriente está situada en el centro histórico de la ciudad española de Madrid. Se trata de una plaza rectangular de cabecera curvada, de carácter monumental, cuyo trazado definitivo responde a un diseño de 1844 de Narciso Pascual y Colomer, heredero de varios proyectos anteriores. Uno de sus principales impulsores fue el rey José I, quien ordenó la demolición de las casas medievales situadas sobre su solar.

Está presidida por dos de los edificios más relevantes de la capital: su contorno occidental lo delimita el Palacio Real y el oriental el Teatro Real. Su cara norte la conforma el Real Monasterio de la Encarnación, al que le fue expropiado el Huerto de la Priora para integrarlo dentro de la plaza.

Además de los citados edificios, esta plaza monumental alberga diferentes jardines histórico-artísticos y una colección escultórica, en la que destaca especialmente la efigie de Felipe IV, obra del siglo XVII de Pietro Tacca. Está considerada como la primera estatua ecuestre del mundo sujetada únicamente por las patas traseras del caballo.

La plaza mayor.

Los orígenes de la plaza se remontan al siglo XV, cuando en la confluencia de los caminos (hoy en día calles) de Toledo y Atocha, a las afueras de la villa medieval, se celebraba en este sitio, conocido como «Plaza del Arrabal», el mercado principal de la villa, construyéndose en esta época una primera casa porticada, o lonja, para regular el comercio en la plaza.

En 1580, tras haber trasladado la corte a Madrid en 1561, Felipe II encargó el proyecto de remodelación de la plaza a Juan de Herrera, comenzándose el derribo de las «casas de manzanas» de la antigua plaza ese mismo año. 

La construcción del primer edificio de la nueva plaza, la Casa de la Panadería, comenzaría en 1590 a cargo de Diego Sillero, en el solar de la antigua lonja. En 1617, Felipe III, encargó la finalización de las obras a Juan Gómez de Mora, quién concluirá la plaza en 1619.

La Plaza Mayor ha sufrido tres grandes incendios en su historia, el primero de ellos en 1631, encargándose el mismo Juan Gómez de Mora de las obras de reconstrucción. El segundo de los incendios ocurrió en 1670 siendo el arquitecto Tomás Román el encargado de la reconstrucción. 

El último de los incendios, que arrasó un tercio de la plaza, tuvo lugar en 1790, dirigiendo las labores de extinción Sabatini. Se encargó la reconstrucción a Juan de Villanueva, que rebajó la altura del caserío que rodea la plaza de cinco a tres plantas y cerró las esquinas habilitando grandes arcadas para su acceso. 

Las obras de reconstrucción se prolongarían hasta 1854, continuándolas, tras la muerte de Villanueva, sus discípulos Antonio López Aguado y Custodio Moreno.

Palacio Real.

 

Lo encontramos junto a la conocida Plaza Dam, y llama la atención por su tamaño y belleza. En sus orígenes fue el Ayuntamiento de Ámsterdam a mediados del siglo XVII. 

Fue a principios del siglo XIX, cuando tras ganar las tropas de Napoleón la batalla a los holandeses, su hermano Luis Bonaparte decidió que el edificio sería el Palacio Real tras proclamarse rey de Holanda. 

Se levantó por la necesidad de dotar a la ciudad de un ayuntamiento con más espacio, y sobre todo una sede que representara el poder y la riqueza del pueblo holandés. De esta manera, se eligió un proyecto arquitectónico de gran envergadura y poderío. 

De concepción clásica y sustentado sobre miles de pivotes de madera. En su parte exterior se observa una mayor austeridad, siendo su fachada construida en piedra y realizada en unas líneas sencillas, que encubren los bajorrelieves ornamentales que embellecen el frontón.

Sobresale en el conjunto la gran cúpula o domo, que esta coronada por una veleta con forma de velero holandés, y que actúa además como campanario. 

Conversion de San Pablo. Caravaggio

La conversión de San Pablo es un cuadro del pintor manierista Cravaggio . De nuevo, usa el mismo lenguaje que en La Crucifixión de San Pablo para dar a conocer el mensaje bíblico.

Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo. 

El joven aún llamado Saulo , era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por qué me persigues?". 

Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo.

Este cuadro fue fuertemente criticado porque la escena parece tener lugar en un establo y para rematarlo la escena es de noche.

cena de emaus Caravaggio.

Esta obra marca un giro radical dentro de la obra de Caravaggio, dando inicio al claroscurismo.

Cristo partiendo el pan en el momento de la Eucaristía, encontrándose iluminado por un foco de luz, dirigiendo hacia él la atención sus discípulos, que lo reconocen asombrados. Mientras, el posadero observa la escena con extrañeza, ajeno a lo que esta sucediendo.

La composición tiene un carácter teatral y dramático, la serena tranquilidad de Cristo, el asombro y la emoción de sus discípulos, la extrañeza del posadero... Este nuevo estilo se vera materializado en una nueva serie.

Su protector Maria del Monte introducirá a Caravaggio en el mercado artístico con el encargo de realizar tres grandes lienzos para la capilla Cantorelli en San Luis de los Franceses de Roma, según había dispuesto en su testamento el cardenal del mismo nombre.

Esta había sido encargada en un principio al Caballero de Arpino, pero al encontrarse este ocupado en otros trabajos la situación fue aprovechada por el cardenal para encargar la obra a su protegido. Este ciclo de San Mateo se compone de tres obras: El Martirio de San Mateo, La Vocación de San Mateo y San Mateo y el Ángel, de la cual se realizaron dos versiones.

La incredulidad de Santo Tomas. Caravaggio

La incredulidad de Santo Tomas es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas. 

El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo. Las luces, además, contribuyen a enfocar más la figura y a dotarla de realismo.

Se ve como Caravaggio utiliza la técnica del claroscuro, ya que lo mas importante son las figuras principales donde esta Cristo, Santo Tomas y dos discípulos más.

Fuente de los cuatro ríos. Bernini.

 La reconciliación de Bernini con Inocencio X viene de la mano del príncipe Ludovisi. Éste era amigo y admirador de Bernini, logrando el encargo de esta fuente para él. La fuente de los Cuatro Ríos en la plaza Navona fue encargada en 1648 y finalizada en 1651.

Esta plaza, antiguo circo de Domiciano, era donde se encontraba el Palacio Pamphili y Sant’Agnese, capilla de esta familia, siendo el escaparate de la familia Pamphili. Aquí era donde realizaban sus fiestas y realizaban festejos populares, realizando nautomaquias, carreras, fiestas... Esta fuente era algo así como un mobiliario para la decoración de esta plaza.

En esta fuente Bernini representa alegóricamente el río más importante de cada uno de los cuatro continentes: el Danubio de Europa, el Río de la Plata de América, el Nilo de África y el Indo de Asia. 

Las figuras de las alegorías son colosales, realizadas en travertino, apoyándose estas en una suerte de montaña horadada y estando acompañadas respectivamente por un caballo (Europa), un león (África) y un caimán (América). 

El conjunto se encuentra coronado por un obelisco, que recrea la tradición iniciada por Paulo V. Sobre éste se posa una paloma, símbolo del Espíritu Santo y emblema de los Pamphili. Esto tiene un cierto carácter ecuménico relaciona con la autoridad papal.

 

Extasis de Santa Teresa. Bernini.

 La obra de Gian Lorenzo Bernini, fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano.

En lugar de ello, parece que Bernini intentaba expresar el equivalente físico y la expresión facial de un estado de alegría divina, y el resultado sin un coma transfigurado, el llamado Sueño de Dios, común entre los místicos.

Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa, y profanando la inmaculada concepción pétrea del mármol virginal. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire" 

Se ha dicho que la obra estaba destinada a figurar en el Vaticano, y que el Papa Inocencio X la rechazo al ver en ella mas de erotismo que de misticismo. Esto es falso. En una de estas cartas Brosse planteaba que Santa Teresa aparentaba más estar experimentando un orgasmo que el amor divino. Esta idea se ha repetido muchas veces desde entonces, dando lugar a toda clase de interpretaciones

 

Bernini.

Gian Lorenzo Bernini nació el 7 de diciembre de 1598 en Nápoles.

Gian fue escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los artistas más destacados del Barroco.
Su padre fue el escultor Pietro Bernini.

Al poco tiempo Pietro se trasladó a Calabria junto con su mujer, la napolitana Angélica Galante, y su hijo.
En 1605 se instalan en Roma y Pietro obtiene la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese y la ocasión de mostrar el precoz talento de Gian Lorenzo.

Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de Pablo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para albergar la tumba de los papas Pablo V y Clemente VIII.

La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.

David. Bernini.

                                          

El David pintado por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624.

Fue esculpído en mármol, y tiene un estilo Barroco Italiano.

Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en esta escena se ve como derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar que tiene una temática cristiana tambien era para admirar a los atletas.

El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se disponen a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura esta en tension, el movimiento y la potencia estan implicitos.

La cara muestra concentracion, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior. Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.

El arte del barroco en Europa

El arte del Barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos en este período.El barroco se caracteriza por la acumulación de formas y excesos de superposición de elementos ornamentales.

Aparecen columnas retorcidas y pilares que no sostienen nada figuras en cuadros iluminados de forma antinatura y esculturas que buscan efectos ilucionista.

Características:

1. Movimiento, energía y tensión.
2. Contrastes de luces y sombras (claroscuro)
3. Intensa espiritualidad, escenas de éxtasis, martirio y apariciones milagrosas.
4. Naturalismo, se intentara plasmar imagenes sobre la personalidad, sentimientos interiores que apareceran reflejados en los rostros de los personajes y la busqueda de la psicología de los personajes.

Pintura:

1. Se impuso el realismo se representan las cosas tal y como son, incluso rasgos desagradables.
2. Se utilizaba la técnica del claroscuro (zonas de sombras y otras con intensa luz).
3. Mayor movilidad y fuerza.
4. Escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imagenes de la vida cotidiana.

Arquitectura:
 Tuvo como objetivo emocionar y llamar la atencion del espectador

Caracteristicas:

1. Uso de línea curva, tanto estructura de edificios y decoración.
2. Destaca uso de colomnas salmónicas, que tienen el fuste en espiral y da sensación de movilidad..
3. La utilización de efectos luminosos, fachadas con distinta profundidad.
4. Abundacia dedecoración y de adornos. (Fachadas e interiores)
5. Materiales ricos, muy obtentosos (muy recargados)

Escultura:
Dotó de rasgos fisicos y movimintos naturales.
Caracteristicas:
Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad.

1. Mucha teatralidad a los gestos, gran interes por plasmar la psicologia de los personajes.
2. Adquirieron gran movilidad, energia y vitalidad se hizo muy abitual. Que unas se engarzasen con otras para hacer composiciones muy complejas.
3. Potencieron los efectos luminosos. Los los plieges de la ropa y los gestos de las figuras probocaban combinaciones de luce y sombras.
4. Temática en paises católicos, eran religiosos y era comun pintar escenas mitologícas y retratos.

Baldaquini. Bernini

El Baldaquino de San Pedro, encargado a Bernini en 1624, representa este concepto de exaltación papal. Éste fue realizado por Bernini con su padre Pietro como primer oficial y con la colaboración de Borromini a partir de 1629, finalizándose en 1633. 

El baldaquino se encuentra realizado completamente en bronce sobredorado, combinando elementos escultóricos y arquitectónicos. Este baldaquino, dentro de la concepción miguelangelina de San Pedro como templum, cubre la tumba del apóstol.

Esta es una estructura a medio camino entre la arquitectura y la escultura, utilizando columnas salomónicas por primera vez desde la Antigüedad, y tratando de crear un espacio más acorde al espectador. Así sirve de intermediario entre la escala colosal de la basílica y la humana del espectador, antropizando en espacio.

El uso del orden salomónico es un tanto arbitrario, usando en las columnas un canon similar al corintio y con un dado de entablamento sobre ellos, estando unidos estos por guardamalletas imitando decoración textil. El conjunto se halla coronado por cuatro cornapuntas, realizadas por Pietro y Borromini, del cual apreciamos un cierto influjo. Las columnas están decoradas por pámpanos de vid, referencia a la eucaristía, en los cuales liban abejas, en alusión al escudo de los Barberini.

Este escudo lo encontramos también en los relieves de los podios.

Apolo y Dafne.

Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que hacia que se enamorase de la primera persona que viese.

También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso, la cual hacia que aborreciese a Apolo. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel. 

Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria».

La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios.

La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura.

Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la Sofrosina, la moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor, en vano.

Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.

Plaza del Vaticano

La Plaza de San Pedro del Vaticano es la más importante de todo el mundo católico.

Bernini recibe el encargo de las obras del papa Alejandro VII en 1656. Toma como eje el centro de la basílica y traza dos brazos rectos que se van cerrando, dirigiendose hacia el eje, hasta que se abren en un enorme espacio elíptico, delimitado por una columnata de dos brazos que no llega a cerrarse en el extremo opuesto a la fachada de la basílica.

Al principio constaba de tres espacios: la Piazza Retta (la trapezoidal), la Piazza Oblicua (la oval) y el llamado terzo braccio, que no se llegó a realizar.

En el siglo XX, durante el fascismo, se abrió la via della Conciliazione, que, a continuación de la plaza oval, prolonga la perspectiva hacia el Tiber.

El resultado es un inmenso espacio abierto compuesto de dos plazas contiguas, la primera trapezoidal y la segunda oval. El plano inclinado de las plazas, especialmente la primera, con amplias escalinatas y rellanos, no hace sino facilitar la visión de la gran cúpula de Miguel Ángel.

San Hugo en el refectorio de los Cartujos.

San Hugo en el refectorio de los Cartujos (Sevilla, Museo de Bellas Artes), es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado 1655

Las verticales de los cuerpos de los cartujos, de San Hugo y del paje están cortados por una mesa en forma de L, cubierta con un mantel.

El paje está en el centro. El cuerpo encorvado del obispo, situado detrás de la mesa, a la derecha, y el ángulo que forma la L de la misma, evitan ese sentimiento de rigidez 

Delante de cada cartujo están dispuestas las escudillas de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un tazón boca abajo y unos cuchillos. La composición tiene vida: son personas reales las que se plasman en el cuadro, no unos ángeles geométricos.

Los cartujos calleron en la tentacion de comer carne, calleron en un sueño profundo. San hugo las mando un mensaje con un mensajero para informarles que voloveria a visitarles y cuando San Hugo llego vio a los monjes depertarse de su sueño que habia durado 45 dias. San Hugos le pregunto a San Bruno que si sabian en que dia estaban y la liturgia correspondiente. San Bruno no era consciente de que habian pasado 45 dias desde la discucion inicial. Desde entonces los menjes pusieron la norma de no poder comer carne bajo ningun concepto ni excepción