La Fontana di Trevi .

 La construcción de La Fontana di Trevi
En 1629 el papa Urbano VIII, encontró que la fuente que existía no era lo suficientemente dramática, así quepidió a Bernini que esbozase posibles renovaciones. El proyecto fue abandonado cuando Urbano VIII murió, y Bernini cambió la situación de la fuente al otro lado de la plaza para que quedase frente al Palacio del Quirinal.

En 1730, el papa Clemente XII organizó un concurso sobre la fuente. Los trabajos empezaron en 1732 y terminaron en 1762, cuando el Neptuno de Pietro Bracci fue situado en el nicho central. Las estatuas de Abundancia y Salubridad, en los dos nichos laterales fueron esculpidas por Filippo Della Valle.

La Fontana de Trevi fue terminada en 1762 por Giuseppe Pannini, quien sustituyó las suaves alegorías presentes por esculturas planas de Agripa y Trivia, la diosa romana.

El Campo del Moro

El Campo del Moro es un extraordinario jardín situado bajo el Palacio Real, tras el gran desnivel que daba fortaleza defensiva a las antiguas murallas madrileñas. Para hacernos una idea del origen de su curioso nombre hay que saber que las primeras murallas de Madrid estaban donde hoy está el Palacio Real. En donde hoy está este campo se asentaron las fuerzas almoravides que querían conquistar Madrid en el año 1100. De aquel campamento surgió el nombre actual de Campo del Moro
Este parque fue adquirido por la Corona Española en tiempos de Felipe II y consiste en unas 20 hectareas de jardines.

Jardines de Sabatini

Los Jardines de Sabatini se encuentran situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid (España), entre la calle de Bailén y la cuesta de San Vicente. Ocupan una extensión de 2,54 hectáreas.

Estos jardines fueron construidos en los años 30 del siglo XX tras la proclamación de la Segunda República, en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por el arquitecto italiano Francesco Sabatini junto al Palacio Real.

Plaza de Salamanca.

La Plaza Mayor es un espacio urbano construido como plaza mayor castellana que con el tiempo se ha convertido en el centro de la vida social de la ciudad de Salamanca, España. Fue construida en el periodo que va desde desde el año 1729 al 1756, en estilo barroco. 

El diseño es del arquitecto Alberto Churriguera (pabellones Real y de San Martín) y posteriormente continuada por otros con pocas modificaciones respecto al proyecto inicial.1 A comienzos del siglo XIX sufrió diversas remodelaciones urbanísticas, hasta que poco a poco a mediados del siglo XX fue desprovista de sus jardines, quiosco de música central y urinarios públicos para quedar diáfana. 

Fue declarada BIC con categoría de Monumento el 21 de diciembre de 1973, publicándose en el BOE el 23 de enero de 1974.

Plaza oriente

La Plaza de Oriente está situada en el centro histórico de la ciudad española de Madrid. Se trata de una plaza rectangular de cabecera curvada, de carácter monumental, cuyo trazado definitivo responde a un diseño de 1844 de Narciso Pascual y Colomer, heredero de varios proyectos anteriores. Uno de sus principales impulsores fue el rey José I, quien ordenó la demolición de las casas medievales situadas sobre su solar.

Está presidida por dos de los edificios más relevantes de la capital: su contorno occidental lo delimita el Palacio Real y el oriental el Teatro Real. Su cara norte la conforma el Real Monasterio de la Encarnación, al que le fue expropiado el Huerto de la Priora para integrarlo dentro de la plaza.

Además de los citados edificios, esta plaza monumental alberga diferentes jardines histórico-artísticos y una colección escultórica, en la que destaca especialmente la efigie de Felipe IV, obra del siglo XVII de Pietro Tacca. Está considerada como la primera estatua ecuestre del mundo sujetada únicamente por las patas traseras del caballo.

La plaza mayor.

Los orígenes de la plaza se remontan al siglo XV, cuando en la confluencia de los caminos (hoy en día calles) de Toledo y Atocha, a las afueras de la villa medieval, se celebraba en este sitio, conocido como «Plaza del Arrabal», el mercado principal de la villa, construyéndose en esta época una primera casa porticada, o lonja, para regular el comercio en la plaza.

En 1580, tras haber trasladado la corte a Madrid en 1561, Felipe II encargó el proyecto de remodelación de la plaza a Juan de Herrera, comenzándose el derribo de las «casas de manzanas» de la antigua plaza ese mismo año. 

La construcción del primer edificio de la nueva plaza, la Casa de la Panadería, comenzaría en 1590 a cargo de Diego Sillero, en el solar de la antigua lonja. En 1617, Felipe III, encargó la finalización de las obras a Juan Gómez de Mora, quién concluirá la plaza en 1619.

La Plaza Mayor ha sufrido tres grandes incendios en su historia, el primero de ellos en 1631, encargándose el mismo Juan Gómez de Mora de las obras de reconstrucción. El segundo de los incendios ocurrió en 1670 siendo el arquitecto Tomás Román el encargado de la reconstrucción. 

El último de los incendios, que arrasó un tercio de la plaza, tuvo lugar en 1790, dirigiendo las labores de extinción Sabatini. Se encargó la reconstrucción a Juan de Villanueva, que rebajó la altura del caserío que rodea la plaza de cinco a tres plantas y cerró las esquinas habilitando grandes arcadas para su acceso. 

Las obras de reconstrucción se prolongarían hasta 1854, continuándolas, tras la muerte de Villanueva, sus discípulos Antonio López Aguado y Custodio Moreno.

Palacio Real.

 

Lo encontramos junto a la conocida Plaza Dam, y llama la atención por su tamaño y belleza. En sus orígenes fue el Ayuntamiento de Ámsterdam a mediados del siglo XVII. 

Fue a principios del siglo XIX, cuando tras ganar las tropas de Napoleón la batalla a los holandeses, su hermano Luis Bonaparte decidió que el edificio sería el Palacio Real tras proclamarse rey de Holanda. 

Se levantó por la necesidad de dotar a la ciudad de un ayuntamiento con más espacio, y sobre todo una sede que representara el poder y la riqueza del pueblo holandés. De esta manera, se eligió un proyecto arquitectónico de gran envergadura y poderío. 

De concepción clásica y sustentado sobre miles de pivotes de madera. En su parte exterior se observa una mayor austeridad, siendo su fachada construida en piedra y realizada en unas líneas sencillas, que encubren los bajorrelieves ornamentales que embellecen el frontón.

Sobresale en el conjunto la gran cúpula o domo, que esta coronada por una veleta con forma de velero holandés, y que actúa además como campanario. 

Conversion de San Pablo. Caravaggio

La conversión de San Pablo es un cuadro del pintor manierista Cravaggio . De nuevo, usa el mismo lenguaje que en La Crucifixión de San Pablo para dar a conocer el mensaje bíblico.

Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo. 

El joven aún llamado Saulo , era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por qué me persigues?". 

Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo.

Este cuadro fue fuertemente criticado porque la escena parece tener lugar en un establo y para rematarlo la escena es de noche.

cena de emaus Caravaggio.

Esta obra marca un giro radical dentro de la obra de Caravaggio, dando inicio al claroscurismo.

Cristo partiendo el pan en el momento de la Eucaristía, encontrándose iluminado por un foco de luz, dirigiendo hacia él la atención sus discípulos, que lo reconocen asombrados. Mientras, el posadero observa la escena con extrañeza, ajeno a lo que esta sucediendo.

La composición tiene un carácter teatral y dramático, la serena tranquilidad de Cristo, el asombro y la emoción de sus discípulos, la extrañeza del posadero... Este nuevo estilo se vera materializado en una nueva serie.

Su protector Maria del Monte introducirá a Caravaggio en el mercado artístico con el encargo de realizar tres grandes lienzos para la capilla Cantorelli en San Luis de los Franceses de Roma, según había dispuesto en su testamento el cardenal del mismo nombre.

Esta había sido encargada en un principio al Caballero de Arpino, pero al encontrarse este ocupado en otros trabajos la situación fue aprovechada por el cardenal para encargar la obra a su protegido. Este ciclo de San Mateo se compone de tres obras: El Martirio de San Mateo, La Vocación de San Mateo y San Mateo y el Ángel, de la cual se realizaron dos versiones.

La incredulidad de Santo Tomas. Caravaggio

La incredulidad de Santo Tomas es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas. 

El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo. Las luces, además, contribuyen a enfocar más la figura y a dotarla de realismo.

Se ve como Caravaggio utiliza la técnica del claroscuro, ya que lo mas importante son las figuras principales donde esta Cristo, Santo Tomas y dos discípulos más.

Fuente de los cuatro ríos. Bernini.

 La reconciliación de Bernini con Inocencio X viene de la mano del príncipe Ludovisi. Éste era amigo y admirador de Bernini, logrando el encargo de esta fuente para él. La fuente de los Cuatro Ríos en la plaza Navona fue encargada en 1648 y finalizada en 1651.

Esta plaza, antiguo circo de Domiciano, era donde se encontraba el Palacio Pamphili y Sant’Agnese, capilla de esta familia, siendo el escaparate de la familia Pamphili. Aquí era donde realizaban sus fiestas y realizaban festejos populares, realizando nautomaquias, carreras, fiestas... Esta fuente era algo así como un mobiliario para la decoración de esta plaza.

En esta fuente Bernini representa alegóricamente el río más importante de cada uno de los cuatro continentes: el Danubio de Europa, el Río de la Plata de América, el Nilo de África y el Indo de Asia. 

Las figuras de las alegorías son colosales, realizadas en travertino, apoyándose estas en una suerte de montaña horadada y estando acompañadas respectivamente por un caballo (Europa), un león (África) y un caimán (América). 

El conjunto se encuentra coronado por un obelisco, que recrea la tradición iniciada por Paulo V. Sobre éste se posa una paloma, símbolo del Espíritu Santo y emblema de los Pamphili. Esto tiene un cierto carácter ecuménico relaciona con la autoridad papal.

 

Extasis de Santa Teresa. Bernini.

 La obra de Gian Lorenzo Bernini, fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano.

En lugar de ello, parece que Bernini intentaba expresar el equivalente físico y la expresión facial de un estado de alegría divina, y el resultado sin un coma transfigurado, el llamado Sueño de Dios, común entre los místicos.

Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa, y profanando la inmaculada concepción pétrea del mármol virginal. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire" 

Se ha dicho que la obra estaba destinada a figurar en el Vaticano, y que el Papa Inocencio X la rechazo al ver en ella mas de erotismo que de misticismo. Esto es falso. En una de estas cartas Brosse planteaba que Santa Teresa aparentaba más estar experimentando un orgasmo que el amor divino. Esta idea se ha repetido muchas veces desde entonces, dando lugar a toda clase de interpretaciones

 

Bernini.

Gian Lorenzo Bernini nació el 7 de diciembre de 1598 en Nápoles.

Gian fue escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los artistas más destacados del Barroco.
Su padre fue el escultor Pietro Bernini.

Al poco tiempo Pietro se trasladó a Calabria junto con su mujer, la napolitana Angélica Galante, y su hijo.
En 1605 se instalan en Roma y Pietro obtiene la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese y la ocasión de mostrar el precoz talento de Gian Lorenzo.

Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de Pablo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para albergar la tumba de los papas Pablo V y Clemente VIII.

La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.

David. Bernini.

                                          

El David pintado por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624.

Fue esculpído en mármol, y tiene un estilo Barroco Italiano.

Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en esta escena se ve como derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar que tiene una temática cristiana tambien era para admirar a los atletas.

El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se disponen a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura esta en tension, el movimiento y la potencia estan implicitos.

La cara muestra concentracion, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior. Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.

El arte del barroco en Europa

El arte del Barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos en este período.El barroco se caracteriza por la acumulación de formas y excesos de superposición de elementos ornamentales.

Aparecen columnas retorcidas y pilares que no sostienen nada figuras en cuadros iluminados de forma antinatura y esculturas que buscan efectos ilucionista.

Características:

1. Movimiento, energía y tensión.
2. Contrastes de luces y sombras (claroscuro)
3. Intensa espiritualidad, escenas de éxtasis, martirio y apariciones milagrosas.
4. Naturalismo, se intentara plasmar imagenes sobre la personalidad, sentimientos interiores que apareceran reflejados en los rostros de los personajes y la busqueda de la psicología de los personajes.

Pintura:

1. Se impuso el realismo se representan las cosas tal y como son, incluso rasgos desagradables.
2. Se utilizaba la técnica del claroscuro (zonas de sombras y otras con intensa luz).
3. Mayor movilidad y fuerza.
4. Escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imagenes de la vida cotidiana.

Arquitectura:
 Tuvo como objetivo emocionar y llamar la atencion del espectador

Caracteristicas:

1. Uso de línea curva, tanto estructura de edificios y decoración.
2. Destaca uso de colomnas salmónicas, que tienen el fuste en espiral y da sensación de movilidad..
3. La utilización de efectos luminosos, fachadas con distinta profundidad.
4. Abundacia dedecoración y de adornos. (Fachadas e interiores)
5. Materiales ricos, muy obtentosos (muy recargados)

Escultura:
Dotó de rasgos fisicos y movimintos naturales.
Caracteristicas:
Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad.

1. Mucha teatralidad a los gestos, gran interes por plasmar la psicologia de los personajes.
2. Adquirieron gran movilidad, energia y vitalidad se hizo muy abitual. Que unas se engarzasen con otras para hacer composiciones muy complejas.
3. Potencieron los efectos luminosos. Los los plieges de la ropa y los gestos de las figuras probocaban combinaciones de luce y sombras.
4. Temática en paises católicos, eran religiosos y era comun pintar escenas mitologícas y retratos.

Baldaquini. Bernini

El Baldaquino de San Pedro, encargado a Bernini en 1624, representa este concepto de exaltación papal. Éste fue realizado por Bernini con su padre Pietro como primer oficial y con la colaboración de Borromini a partir de 1629, finalizándose en 1633. 

El baldaquino se encuentra realizado completamente en bronce sobredorado, combinando elementos escultóricos y arquitectónicos. Este baldaquino, dentro de la concepción miguelangelina de San Pedro como templum, cubre la tumba del apóstol.

Esta es una estructura a medio camino entre la arquitectura y la escultura, utilizando columnas salomónicas por primera vez desde la Antigüedad, y tratando de crear un espacio más acorde al espectador. Así sirve de intermediario entre la escala colosal de la basílica y la humana del espectador, antropizando en espacio.

El uso del orden salomónico es un tanto arbitrario, usando en las columnas un canon similar al corintio y con un dado de entablamento sobre ellos, estando unidos estos por guardamalletas imitando decoración textil. El conjunto se halla coronado por cuatro cornapuntas, realizadas por Pietro y Borromini, del cual apreciamos un cierto influjo. Las columnas están decoradas por pámpanos de vid, referencia a la eucaristía, en los cuales liban abejas, en alusión al escudo de los Barberini.

Este escudo lo encontramos también en los relieves de los podios.

Apolo y Dafne.

Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que hacia que se enamorase de la primera persona que viese.

También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso, la cual hacia que aborreciese a Apolo. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel. 

Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria».

La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios.

La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura.

Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la Sofrosina, la moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor, en vano.

Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.

Plaza del Vaticano

La Plaza de San Pedro del Vaticano es la más importante de todo el mundo católico.

Bernini recibe el encargo de las obras del papa Alejandro VII en 1656. Toma como eje el centro de la basílica y traza dos brazos rectos que se van cerrando, dirigiendose hacia el eje, hasta que se abren en un enorme espacio elíptico, delimitado por una columnata de dos brazos que no llega a cerrarse en el extremo opuesto a la fachada de la basílica.

Al principio constaba de tres espacios: la Piazza Retta (la trapezoidal), la Piazza Oblicua (la oval) y el llamado terzo braccio, que no se llegó a realizar.

En el siglo XX, durante el fascismo, se abrió la via della Conciliazione, que, a continuación de la plaza oval, prolonga la perspectiva hacia el Tiber.

El resultado es un inmenso espacio abierto compuesto de dos plazas contiguas, la primera trapezoidal y la segunda oval. El plano inclinado de las plazas, especialmente la primera, con amplias escalinatas y rellanos, no hace sino facilitar la visión de la gran cúpula de Miguel Ángel.

San Hugo en el refectorio de los Cartujos.

San Hugo en el refectorio de los Cartujos (Sevilla, Museo de Bellas Artes), es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado 1655

Las verticales de los cuerpos de los cartujos, de San Hugo y del paje están cortados por una mesa en forma de L, cubierta con un mantel.

El paje está en el centro. El cuerpo encorvado del obispo, situado detrás de la mesa, a la derecha, y el ángulo que forma la L de la misma, evitan ese sentimiento de rigidez 

Delante de cada cartujo están dispuestas las escudillas de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un tazón boca abajo y unos cuchillos. La composición tiene vida: son personas reales las que se plasman en el cuadro, no unos ángeles geométricos.

Los cartujos calleron en la tentacion de comer carne, calleron en un sueño profundo. San hugo las mando un mensaje con un mensajero para informarles que voloveria a visitarles y cuando San Hugo llego vio a los monjes depertarse de su sueño que habia durado 45 dias. San Hugos le pregunto a San Bruno que si sabian en que dia estaban y la liturgia correspondiente. San Bruno no era consciente de que habian pasado 45 dias desde la discucion inicial. Desde entonces los menjes pusieron la norma de no poder comer carne bajo ningun concepto ni excepción

La Venus del espejo. Velázquez.

Es uno de los pocos desnudos de la pintura española, junto a La Maja Desnuda de Goya. Es el único que se conoce de Velázquez, aunque parece que pintó otros.

El simbolismo explícito del cuadro se traduce en que Cupido, hijo de Venus, que es el amor, sostiene un espejo, en el que queda reflejado el rostro de la diosa de la belleza.

La figura alada de Cupido presenta los brazos delicadamente atados. Así, el amor es preso de la belleza. Venus se autocomplace, con cierto desdén, en la observación de su hermosura: Es la vanidad narcisista. El espectador asume un papel ciertamente voyerista, compartiendo con el ángel la visión del cuerpo femenino, mórbidamente recostado, ofreciendo su dorso.

Velázquez recrea el mito erótico, ocultando el sexo y haciendo

visible el rostro en el espejo, implicando lúdicamente al observador en la contemplación de su obra.

El cuadro ha perdido parte de la perspectiva aérea tan característica de Velázquez, debido a los avatares históricos sufridos y en parte tambien por las malas restauraciones que se le han realizado.

Vieja friendo huevos. Diego Velázquez.

La escena se desarrolla en el interior de una cocina poco profunda, iluminada con fuertes contrastes de luz y sombra. La luz, dirigida desde la izquierda, ilumina por igual todo el primer plano, destacando con la misma fuerza figuras y objetos sobre el fondo oscuro de la pared, de la que cuelgan un cestillo de mimbre y unas alcuzas o lámparas de aceite.

Una anciana con velo blanco, cocina en un hornillo un par de huevos, que pueden verse como estan flotando en un líquido dentro de una cazuela de barro gracias al punto de vista elevado de la composición. Con una cuchara de madera en la mano derecha y un huevo que se dispone a cascar contra el borde de la cazuela en la mano izquierda, la anciana suspende la acción y alza la cabeza ante la llegada de un muchacho con un melón de invierno bajo el brazo y un frasco de cristal.

Delante de la mujer y en primer término se diponen una serie de objetos vistos con el mismo punto de vista elevado: una jarra de loza vidriada blanca junto a otra vidriada de verde, un almirez con su mano, un plato de loza hondo con un cuchillo, cebollas y guindillas. Apoyado en el anafe brilla un caldero de bronce.

 

Biografía de Velázquez.

Posiblemente es el más grande pintor que ha vivido. Según los expertos produjo la mayor cantidad de obras maestras de la historia del arte. Su obra se muestra destacada en los más prestigiosos museos de todo el mundo. 

 

Nació en la ciudad española de Sevilla, donde fue discípulo de Francisco Pacheco, casándose posteriormente con la hija de éste. 

 

Tras su primer viaje a Madrid en 1623, fue contratado como pintor de la corte de Felipe IV, pasando el resto de su vida al servicio de este en diferentes puestos, alcanzando el cargo máximo de Guardián de la Corte, lo que provocó un descenso en su producción personal. 

 

Viajó en varias ocasiones a Italia, enviado por el rey, donde realizó varias pinturas que causaron gran conmoción en Roma. Murió de regreso de las islas de los Faisanes, donde había ido acompañando al monarca en su encuentro con el rey de Francia Luis XIV. 

 

Velázquez fue llamado "el pintor de la verdad" o "el pintor del aire". 

El Triunfo de Baco o Los Borrachos.

Es una adaptación mundana de la mitología; Velázquez rodea al joven Baco con "vulgares" campesinos. Son evidentes las influencias de las escuelas de Tiziano y de Rubens en el tratamiento del fondo y del cuerpo humano respectivamente.
Es de resaltar el contraste de los desnudos en una misma composición, uno regordete y pálido y el otro curtido y musculoso.

La Fragua de Vulcano

Durante su estancia en Madrid, Velázquez admiró y adquirió las técnicas de Tiziano y Rubens, luego, en Italia, estudió los trabajos de Rafael y Miguel Ángel. La Fragua de Vulcano muestra el primer escalón de su madurez pictórica, influenciada por estos grandes maestros, sus pinturas comienzas a ser más profundas, ricas y más luminosas. Las figuras con cuerpos más pulidos. Sin embargo todavía pinta escenas mitológicas reflejadas en la vida diaria, de características alegres y con una representación simple de las actividades humanas.

La Rendición de Breda o Las Lanzas

Todas las figuras de esta pintura son retratos de los presentes en ese hecho histórico. Es la representación de un suceso real, casi una instántanea fotográfica del siglo XVII encargada a Velázquez por el Rey FelipeIV diez años después de suceder. 

Es de resaltar la magnífica composición de la obra, dos grupos (vencedores a la derecha y vencidos a la izquierda) pero dentro de un nucleo comprendido entre los dos caballos que hay en cada parte. El tema fundamental, la entrega de las llaves de la ciudad de Breda, se situa en el centro teniendo como fondo el magnífico paisaje de tonos claros que hace que por contraste resalte la acción de los personajes. 

También es interesante la intención de resaltar la justicia y benevolencia de las tropas vencedoras (españolas), representado en la acción de no dejar arrodillarse al vencido. 

El vivo interés personal del pintor en este cuadro es evidente, lo refleja retratandose en uno de los individuos que aparecen en el cuadro, el último de la derecha del cuadro.

Cristo Crucificado. Diego Velázquez.

"El Cristo Crucificado" de Velázquez, refleja un dramatismo sereno, reforzado por un intenso fondo negro que contrasta con el cuerpo musculoso iluminado de Cristo.

La madera de la cruz que absorve la sangre, incrementa el drama de la muerte. 

La tradición popular dice que Velázquez no podía copiar la expresión del lado derecho de la faz de Cristo y por lo tanto optó por cubrir el lado izquierdo con la cabellera.

La Fábula de Aracne - Las Hilanderas. Diego Velazquez.

Pintado sobre 1644-1648 "Las Hilanderas" o "La Fábula de Aracne". Es una obra de sus últimos años, que representa la fábula de Aracne. La composición de las hilanderas consiste, como las obras posteriores, en situar el tema principal (mitológico) en el fondo (la Fábula de Aracne), como si fuese un complemento del tema frontal de la pintura (las hilanderas trabajando).

Velázquez sintetiza este trabajo con un extraorinario conocimiento de las posibilidades pictóricas y del sublime conocimiento del espacio y de la perspectiva.
La obra fue ampliada posteriormente con añadidos no realizados por Velázquez, en su parte superior, derecha e izquierda.

El príncipe Baltasar Carlos. Tiziano

Pintado en 1635, esta obra situa al Infante Baltasar Carlos montando a caballo en los jardines del palacio del Buen Retiro.
Las influencias italianas de Tiziano son evidentes, el claroscuro del paisaje y la figura, la sobre iluminación del torso del príncipe...
Es de destacar la pincelada a precisos impulsos y con distintos empastes con la que trabajó el paisaje de fondo.

El efecto un tanto ingrato del animal, que visto frontalmente resulta algo rígido y desproporcionado, se corrige teniendo en cuenta que fue pintado para sobrepuerta, contando con la visión de abajo arriba, que le devuelve toda su vivacidad y audacia de escorzo barroco, técnica que Tiziano sin duda hubo de ver en grabados flamencos de exaltación militar, conocidos y aún populares en su tiempo.

Las Meninas. Diego Velázquez

Este cuadro está considerado como una de las más grandes obras de la historia del arte, uno de sus secretos es el hacer algo relevante de una escena cotidiana. Velázquez, que fué llamado el pintor del "aire", refleja en él su propia jornada de trabajo: en el espejo de la pared trasera se reflejan el rey y la reina que es el tema de la pintura sobre la que está trabajando, la princesa mirando a sus padres, rodeada de sus ayudantes y al perro de la familia.

Aparecen en el cuadro el rey Felipe IV y la reina Mariana de Austria (reflejados en el espejo), La Infanta Margarita(en el centro) rodeada de Isabel Velasco y Agustina Sarmiento (las meninas), en la parte derecha del cuadro los enanos María Bárbola y Nicolás Pertusato, este último entreteniendose con el mastín situado a sus pies. 

Detrás de ellos están Marcela de Ulloa y un personaje no identificado. Al fondo, justo el el punto de perspectiva de la composición, aparece el aposentador de la Reina, el caballero Don José Nieto debajo del quicio de la puerta. Por último, casi en penumbra aparece el pintor trás de su lienzo. 

Infanta Margarita, la pieza central de "Las Meninas" de Velázquez. Nunca una pintura de un individuo de la realeza ha sido rodeado de tanta actividad y objetos.

Toda la atención está dirigida hacia la Infanta mientras busca a sus padres, el rey y la reina de España que están posando para el pintor.

La rendición de breda

El asedio de Breda tuvo lugar en 1625, durante el transcurso de la Guerra de los Treinta Años, que enfrentaba a los tercios españoles con las fuerzas de las Provincias Unidas de los Países Bajos; la ciudad fortaleza de Breda, bajo el gobierno de Justino de Nassau, fue sitiada y finalmente conquistada por los ejércitos españoles bajo el mando de Ambrosio Spinola en 1625.

La rendición de Breda fue una de las victorias más famosas de Spinola y de España, sirviendo como fuente de inspiración a varias obras artísticas.

Bajo las órdenes de Spinola, los españoles asediaron Breda en agosto de 1624, en contra de los deseos del rey Felipe IV. La ciudad estaba fuertemente fortificada y defendida por una guarnición de 14.000 soldados.

Spinola rápidamente invirtió sus defensas y lanzó un ataque contra el ejército holandés al mando de Mauricio de Nassau intentando cortar sus suministros y resistencia, mandando construir fosos, barricadas, fortificaciones y túneles pero los defensores se dieron cuenta de la estratagema y empezaron a invadirlos construyendo otros túneles, de modo que la mayoría quedaron inutilizables.


Los defensores resistieron durante casi 11 meses con las demás influencias que quedaban. En febrero de 1625, una fuerza de 6000 ingleses bajo el mando de Ernst von Mansfeld no consiguió aliviar a la ciudad.
Justin de Nassau se rindió en Breda en junio de 1625 después de un costoso asedio ,que dejo miles de muertos y mutilados tanto en los dos bandos.

Duque de Lerma.

Don Francisco nació en Tordesillas siendo educado en la corte de Felipe II. Su abuelo materno fue Francisco de Borja (San Francisco de Borja). Pertenecía a una familia con tradición en el cargo de Adelantado de Castilla desde 1412.

Fue el hombre más poderoso del reinado de Felipe III. Se hizo inmensamente rico a costa de saber manejar el tráfico de influencias, la corrupción y la venta de cargos públicos. Por otra parte fue un verdadero mecenas en la ciudad de Lerma en Burgos, donde empleó gran parte de su fortuna en engrandecerla y embellecerla contratando a los más sobresalientes arquitectos y utilizando los mejores materiales.

Por su cargo de ministro del rey se convirtió en el hombre más cercano y de mayor confianza del monarca consiguiendo incluso que éste trasladase la Corte de Madrid a Valladolid (1601). El duque efectuó una magistral operación inmobiliaria seis meses antes del traslado, comprando propiedades e invirtiendo en su propio beneficio. Es lo que modernamente se conoce como especulación.

Algunas de estas propiedades, como la llamada Huerta de la Ribera, se la vendió años después al rey, pocos meses antes del regreso de la corte a Madrid. Compró también un palacio a don Francisco de los Cobos, edificio que vendió al año siguiente también al rey y que fue convertido en palacio real.

Felipe III

Felipe III de Austria (o Habsburgo)  llamado El Piadoso, rey de España y Portugal. Era hijo y sucesor de Felipe II y de Ana de Austria (1549-1580). En 1598 contrajo matrimonio con la archiduquesa Margarita de Austria-Estiria, hija del archiduque Carlos II de Estiria y de María Ana de Baviera, nieta del emperador Fernando I. Su reinado supuso una transición entre el apogeo de Carlos I y Felipe II y la decadencia que representarían los últimos años de Felipe IV y el reinado Carlos II.

Aficionado al teatro, a la pintura y, sobre todo, a la caza, delegó los asuntos de gobierno en manos de su valido, el duque de Lerma, el cual, a su vez, delegó en su valido personal Rodrigo Calderón; por influencia del duque, la corte española se trasladó temporalmente a Valladolid (1601), volviendo luego a Madrid (1606). Murió en Madrid, el 31 de marzo de 1621, a causa de fiebres y erisipela.

Bajo su reinado la Monarquía Hispánica alcanzó su mayor hegemonía imperial y mayor expansión territorial, consecuencia denominada como Pax Hispánica. Aunque el imperio llegaría a alcanzar su cenit durante el reinado de Carlos IV, en torno al año 1790.

Sublevación de los alpujarras.

A partir de la Conquista del reino de Granada por los Reyes Católicos, en 1492, la influencia de la dominación castellana en los grandes núcleos urbanos se ejerció más contundentemente que en las poblaciones rurales, favoreciendo que éstas se mantuvieran ajenas a la colonización del reino de Castilla, cultural y políticamente. 

Esta es la razón por la que los andaluces alpujarreños consideraban la posibilidad de recuperar sus libertades y así no verse obligados a escoger entre el destierro, la hoguera o la conversión forzosa al cristianismo, como les había ocurrido a sus conciudadanos en la cuidad.
 
El asedio castellano tiene su inicio en la ciudad de Guejar, donde se había centralizado la sublevación. Este primer asedio fue repelido hábilmente por los habitantes, enfangando los alrededores de la villa, por lo que quedó atrapado el ejército.

Una vez repuesto éste, envistió ferozmente contra los habitantes, degollando a cuantos hombres encontraron, saqueando toda la ciudad y sometiendo a esclavitud a las mujeres y niños. 

La limpieza de sangre. Lucha por el Cristianismo

Los Estatutos de Limpieza de Sangre aparecieron en España durante el siglo XV en forma aislada, pero, durante el siglo XVI, fueron puestos en vigencia sucesivamente por todas las congregaciones religiosas, militares y civiles. 

Son reglamentaciones que impedían, a los judíos conversos al cristianismo y a sus descendientes, ocupar puestos y cargos en diversas instituciones, que pueden ser de carácter religioso, universitario, militar, civil o gremial. 

Tiempo más tarde los Estatutos se extendieron a los moros y luego también a los protestantes y a los procesados por la Imquisición.

Los conversos eran aquellos judíos que se habían convertido al cristianismo por la fuerza, ya sea durante los disturbios de 1391, luego en las controversias religiosas entre judíos y cristianos en las décadas siguientes y, finalmente, aquellos que adoptaron la vía de la conversión, ante el Edicto de Expulsión de los Reyes Católicos.(los moriscos eran los moros convertidos al cristianismo)

Los Estatutos de Limpieza de Sangre son estatutos raciales, pues dependen del origen y la ascendencia de una persona, y no de algún crimen o falta cometida. El crimen es pertenecer a la “Casta de judíos nuevos” o a los moriscos.

En general surgen en instituciones religiosas o universitarias, como estatutos particulares de dicha orden o universidad. No responden a una ley o disposición general, es más, al comienzo los reyes y el papado se opusieron a los Estatutos. Fue con el correr del tiempo y de los acontecimientos, que la Iglesia Española los adoptó y los reyes dictaron leyes al respecto.